파올라 프란체스카 바론(Paola Francesca Barone)의 샷에서 시간을 뺀 누드
사진에서 예술적인 나체는 종종 그것을 구성하고 렌즈에 의해 발견되는 부분들의 움직임과 조정보다 정적인 순간을 선호하는 상상과 연결됩니다. 사진작가 파올라 프란체스카 바론( Paola Francesca Barone )은 개별적인 순간을 포착하여 더 큰 힘과 에너지의 순간을 재구성하고자 하는 일련의 사진을 수집하여 시간에서 빼서 알몸의 가소성을 표현하기로 했습니다. 파올라 프란체스카 바론(Paola Francesca Barone)의 " 여성의 운동성(Motricity of the female)
" 프로젝트를 탄생시킨 것은 연속적인 형태에 대한 아이디어이며 , 구성의 주인공인 모호한 가장자리를 가진 형태입니다. 배경에 배치하면 어두운 배경의 중립성을 선호합니다.
피부와 상호 작용하는 유일한 요소는 역사적으로 사진과 예술 작품에 대한 관심의 진정한 이유를 숨기는 장애물로 이해되는 베일입니다. 여기서 베일은 장식이 아니라
정식 누드를 애니메이션화하는 도구입니다.
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Anne-Laure Etienne 의 샷 에서 뼈의 가벼움
저는 이미지가 우리를 지배하는 힘을 우리가 진정으로 알고 있는지 항상 궁금했습니다. 우리는 매일 그것들에 넘쳐나고 압도당하지만, 의도적으로 이미지를 사용하기로 선택하고 처음부터 새로운 이미지를 만들 때 마법 같은 일이 일어납니다.
이에 대한 명확한 예는 Francesca Woodman의 경우와 같이 상상력, 자기 분석 및 정체성 성찰을 위한 도구로 사진에서 자주 사용되는 자화상의 관행입니다. Paola Mattioli의 작품에서 예. 사진은 자신과 외부 세계에 대한 인식을 높일 수 있는 향유가 될 수 있습니다.
렌즈가 신체의 만져볼 수 있는 물질을 만나면 실제로 훨씬 더 많은 것을 드러냅니다. 이미지 자체를 통해 형태를 갖추는 병 속의 취약성, 두려움, 인식, 메시지를 강조합니다. 이것이 바로 프랑스 사진작가 Anne-Laure Etienne 이 촬영한 " Tissues and Bones " 프로젝트의 사진 뒤에 있는 것 입니다.
2017년부터 6년 동안 Anne-Laure는 자신의 땅, 오염되지 않은 프랑스 남부의 찬란한 풍경에서 자신을 묘사했습니다. 심리적, 육체적으로 매우 나약한 순간에 그는 자신의 불편함을 표현하는 수단으로 사진을 찾았다.
직물에 갇힌 그의 몸 은 심리적 밀실 공포증을 목격합니다.제거하기 위해. 프로젝트 제목에 언급된 뼈는 시간과 죽음에 저항하는 우리 몸의 가장 비밀스러운 부분이며, 그렇기 때문에 우리의 내밀한 본질에 대한 가장 확실한 증거입니다. 처음에는 갇히고, 압축되고, 질식하고, 시간이 지남에 따라 변화합니다. 수축의 우리에서 직물은 태반, 보호하는 부드러운 보호 장치가되지만 억제하지는 않지만 애무하지만 강제하지 않는 가벼운 베일이됩니다.
공중 춤이나 긴장된 육체적 노력의 순간에 불멸의 몸의 가벼움은 그들이 포착된 풍경처럼 꽃이 피고 다시 태어나는 것을 증언합니다. 이러한 의미에서 자연적 맥락은 장면을 시적으로 구성하는 단순한 배경이 아니라 강렬하고 활기찬 색상으로 칠해진 대화적이고 진화하는 요소를 구성합니다. 따라서 공간의 지리학은 자기 재현의 지리학에 자리를 내줍니다.
나중에 일어난 치유는 그녀가 친구와 친척들의 사진을 찍을 수 있게 했고 그들에게 그들 자신의 가장 숨겨진 부분과 자연과 깊은 접촉을 할 수 있는 기회를 제공했습니다.
Anne-Laure의 창의성과 예술적 배경은 몇 가지 무대 장치를 통해 실제, 상징 및 상상의 차원이 만나는 정지된 마이크로 세계를 재구성할 수 있습니다. 얇은 명주 그물, 보일 및 오간자 직물은 자연이 관찰하는 방법을 아는 사람들의 시선에 제공하는 질감과 대화하며, 몸이 부드럽고 가벼운 선에 생명을 주는 독서 수준과 빛과 그림자의 유희를 만듭니다.
안 로르 에티엔느(Anne-Laure Etienne)가 구름 천에 싸여 자랑스럽게 서 있고 두 발로 땅을 딛고 있지만 그녀의 시선은 그 일부인 것처럼 보이는 하늘.
Dialogic: Instagram의 대도시 소우주의 시
탁월한 이동의 장소인 지하철은 여행의 시간 속에서 전체 존재에 대해 무한히 제한된 공간과 시간을 공유하는 수백 개의 세계가 모이는 지점을 나타냅니다. 그러나 이 소우주는 특히 매일 지하철을 타는 사람들에게 매우 친숙해지며 반복, 의식 및 리듬의 집중은 종종 자동으로 경험됩니다.
정확히 같은 빛으로 영업 시간 동안 모든 행동이 반복되며 소외의 희생자는 일상 생활의 마법 (또한 아이러니)을 파악할 수있는 몇 번의주의 깊은 시선으로 중단됩니다.
따라서 사진 이미지는 실제로 수백 개의 작은 면과 순수한 시 또는 재미의 순간으로 구성된 언더그라운드의 진정한 본질을 포착하는 이상적인 수단이 됩니다.
Instagram의 수천 개의 게시물은 항상 같은 날의 단조로움 속에서 반복할 수 없고 눈부신 순간의 일시적인 순간을 즉시 공유할 수 있게 해주는 소셜 네트워크인 이것에 전념합니다. 장소, 사건 또는 사람의 상상.
이 첫 번째 약속에서 Dialogica는 두 개의 검색이 완전히 다른 두 개의 Instagram 계정을 대화로 가져오고자 합니다.
Subwaycreatures 는 저자 Rick McGuire가 지하철에서 일어나는 가장 재미있고 기이한 순간을 포착할 수 있는 수천 명의 승객으로부터 사진 및 비디오 기여를 수집하는 일련의 프로필입니다. 2013년부터 활동한 이 페이지는 빠르게 사회 현상이 되었으며 뉴욕시 지하철에서 가장 중요한 이미지 수집가 중 하나를 나타냅니다.
구도, 샷 또는 색상에 주의를 기울이지 않음: 따라서 일반적으로 "추하다"고 정의되는 것을 두려워하지 않고 형식 및 내용의 관점 모두에서 미리 정의된 비전에서 분리되는 독립적인 시각적 연구가 만들어집니다.
사실, 각 기여의 실제 주인공은 매일 지하철을 채우는 (거의 환상적인) "생물"일 뿐입니다. 각 캐러셀은 동일한 주제로 서로 연결된 이미지 및/또는 비디오를 수집합니다. 봉투(법에 따라 "지갑 개"로만 뉴욕 지하철을 탈 수 있음).
반면에 Subwayhands 프로필은 완전히 다른 미학을 가지고 있습니다 . 사진작가 Hannah Ryan이 이 계정을 우리 신체의 가장 의사소통이 많은 부분 중 하나인 손에 전념하여 구상하고 만든 프로젝트입니다. 손은 솔직하고 진심으로 우리의 기분을 말하고, 거짓말을 하지 않고 우리가 상상할 수 있는 것보다 더 많은 말을 하기 때문에 Hannah는 사진을 찍기 시작했습니다. 얽힌 손, 잎사귀 손, 물건을 들고 있는 손, 장갑을 낀 손, 치료되었거나 손상된 손: 각각의 손은 하나의 세계가 되고 감정, 관계, 상황 및 이야기를 탐구하는 제유가 되고 환상적인 이야기를 상상하는 출발점이 됩니다.
당신이 있는 곳을 명확하게 암시할 수 있을 만큼 충분히 가까운 거리에서 찍은 이 사진들에는 시, 배려, 동질성이 있지만(숨기지 않고 장면을 강조하는 차가운 인공 조명 덕분에), 순간의 마법.
신중함과 섬세함으로 Hanna는 그들이 속한 사람들의 얼굴을 한 번도 드러내지 않은 채 한 손, 두 손 또는 여러 손을 촬영합니다. 의도는 이야기를 제안하고 근접학의 보편성과 일상의 시를 말하는 것입니다.
"나랑 결혼해줄래?"라는 팻말을 들고 있는 손처럼 결혼 제안에 대한 개인적인 이야기(게시물에 대한 댓글에서 알 수 있듯이 신부의 동의로 끝났음)를 전하고, 다른 날짜가 있는 사람들은 #blacklivesmatter 시위 또는 대유행 기간과 같은 획기적인 집단 사건에 대해 증언합니다. 그 동안 표면에 닿지 않도록 장갑이나 기타 수단 으로 손을 보호했습니다 .
사진작가의 눈은 그가 전문가이건 아마추어이건 간에 표면의 세계를 지배하는 규칙과 사회적 구별과는 거리가 먼 지하에 사는 또 다른 세계의 다채롭고 이질적인 지도 제작을 반환합니다. 여행하는 동안 세부 사항에 더 많은 관심을 기울이십시오.
도메니코 마테라와 기억의 본질
사진 작가 Domenico Matera 가 찍은 일련의 사진 은 일생일대의 기억의 중심으로 직행합니다 원래 Basilicata 출신인 그는 Calanchi Lucani와 점토의 균열 네트워크를 선택하여 기억의 영역과 재결합합니다.
마테라는 기억의 연속성을 만들어내는 풍경이라는 아이디어와 재결합하길 원한다. 왜냐하면 그것은 우리를 현재와 동시대를 바라보는 우리의 시선에 의해 더럽혀지지 않은 기억의 본질이라는 조건으로 되돌리기 때문이다.
사진의 벌거벗은 풍경은 본질에 대한 이러한 탐색의 은유이며, 또한 흰색 단색의 선택, 기억을 획일화하고 감싸는 안개에 의해 선호됩니다.
그렇게 함으로써 풍경과 지평선은 점점 더 멀어지고 경계선을 거의 볼 수 없으며 와이드 샷과 클로즈업이 번갈아 가며 미시와 거시가 무엇인지에 대한 아이디어를 혼동합니다. 기억 덕분에 재건되는 세상.
One Shot: Sasha Elage의 사진 속 빛
One Shot은 사진가의 스타일과 이미지를 설명할 수 있는 단일 샷에서 시작하여 사진가의 작업을 탐구하는 Collater.al 칼럼입니다. 이번 에피소드의 게스트는 러시아 출신의 사진작가이자 귀화한 프랑스인 사샤 엘라주( Sasha Elage ) 입니다.
독학으로 사진을 배운 그는 자신의 사진을 보정하는 방법을 사용하지 않습니다. 그의 놀라운 사진은 인공적인 방법을 사용하지 않고 단순히 자연광을 사용하고 이미지의 과다 노출/과소 노출, 플래시 및 컬러 젤을 사용하여 촬영됩니다.
사진 오류로 코드화된 것은 Sasha의 연구에서 틀림없는 문체 코드가 되어 빛을 샷의 확실한 주인공으로 만들고 묘사된 피사체에 일관성과 개성을 복원합니다.
사람의 형상이 있을 때 얼굴은 고의적으로 숨겨지거나 알아보기 어려워 관찰자의 눈을 멀게 하는 빛을 위해 얼굴을 단순한 반사 표면으로 축소합니다.
사진 행위는 인간의 눈에 도전하는 오락의 한 형태인 Sasha Elage를 위한 게임입니다. 그의 사진은 시각적 트릭과 독창적인 미니멀리즘의 조합을 통해 관습과 풍경적 결합을 깨뜨립니다.
Collater.al과의 인터뷰에서 Sasha는 자신의 연구를 단일 이미지로 설명하기 위해 자신의 사진 중 하나에 대해 말했습니다.
1. 세 단어로 사진 연구를 설명하십시오.
창의적이고, 끈기 있고, 가차 없습니다.
2. 거기에 어떻게 가셨어요? 내 말은, 당신이 지금 있는 곳으로 당신을 데려온 다른 접근법을 따랐나요?
나는 항상 화가가 되고 싶었고 어렸을 때 많이 그렸지만 11살에 그만두고 24살 말에 사진을 발견했습니다. 내 인생.
나는 카메라를 사용하여 현실을 단순히 기록하는 것보다(화가가 하는 것처럼) 자연광 또는 인공 조명으로 과다 노출, 노출 부족, 컬러 플래시 사용을 좋아합니다. 이미 2004년경부터 저는 이상한 실험을 하고 있었습니다. 분홍색 플라스틱 CD 케이스를 플래시 앞에 놓고 색상 효과를 얻었습니다. 오늘날 컬러 젤은 대부분의 손전등과 함께 키트에 들어 있습니다.
나는 긴 노출과 다른 많은 기술을 사용하며 단순히 아름다운 이미지를 만드는 것이 부끄럽지 않습니다. 나는 사진을 하나도 놓치지 않았는지 확인하기 위해 무언가를 작업하고 모든 각도에서 이것을 보는 동안 모든 가능성을 탐구한다는 생각을 좋아합니다. 나는 나 자신을 놀라게 하는 것을 좋아한다.
저는 사진을 편집하기 위해 디지털 소프트웨어를 사용하지 않습니다. 창작 과정은 카메라 내부에서 이루어집니다. 이것은 저에게 매우 중요합니다. 나는 사진에 대한 완전한 믿음을 가지고 있으며 필터와 포토샵을 사용하는 것은 사진을 속이는 것이라고 믿습니다.
3. 당신에게 영감을 준 사진작가는 누구입니까?
솔직히 오늘 저는 음악, 자연, 제가 사랑하는 사람들로부터 더 많은 영감을 받았습니다. 어머니는 나의 가장 큰 영감입니다.
4. 촬영 과정과 재미있는 에피소드가 있다면 알려주세요.
앞서 언급했듯이 저는 작업에서 현실을 변경하기 위해 과다 노출을 자주 사용합니다. 이 사진은 2021년 이탈리아 Dolceacqua의 어둡고 가려진 거리에서 찍은 것으로, And Godcreated the light라는 시리즈의 일부입니다. 태양은 한 지점에서만 도로를 통과하므로 파트너에게 단순히 빛을 보라고 요청하고 사진을 과다 노출하여 이 효과를 만들었습니다. 시청자가 얼굴을 보는 것보다 얼굴을 상상하도록 유도하는 제 방식입니다.
많은 사람들은 이 사진이 디지털로 편집되었거나 강력한 플래시를 사용했거나 스튜디오에서 찍은 것이라고 믿습니다. 인스타그램 계정에 메이킹 영상도 공유해서 믿게 만들었어요.
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